THE REINCARNATION OF ST.ORLAN Licorn Surgery 1990

Orlan es una artista francesa cuyas obras se basan en la continua transmutación de su identidad a base de transformaciones y operaciones quirurgicas. La obra que voy a analizar a continuación es una performance de la artista en la que se sometió a una operación quirurgica denominada ''unicorn''. Se operó los labios,la nariz y las orejas , con la intentción de parecerse a los iconos artísticos clásicos ( Venus, la Gioconda...etc.). Los cirujanos iban vestidos con unos atuendos poco comunes, de amarillo, rojo y azul, dando un impresión surrealista de la operación. Por detrás de camilla había una fotografía de la artista desnuda. La intentción principal de la artista al someterse a esta operación fue que el espectador se plantease el concepto de identidad propia y el por qué de unos determinado canones de belleza establecidos. Quiso que se reflexionase sobre la pérdida de la propia identidad en función del seguimiento de uan serie de pautas estéticas que plantea la sociedad. Mientras la operaban Orlan leía un libro tranquilamente, como si no le importase lo que le estaba haciendo, simbolizando que hoy en día la las personas se someten a operaciones de cirugía sin darse cuenta de lo que realemente son, sin valorar el peligro que entrañan. La sala de operaiones estaba plagada de fotos de retratos clásico de Venus, retratos con los que cubrieron también a la artista al finalizar la operación. Esto puede ser una crítica al concepto de belleza, un concepto efímero que cambia continuamente con el tiempo en todos los campos que abarca, música, arte, moda...etc. La sala de operaciones era precaria, agobiante y no especialmente higiénica, factores que refuerzan la negatividad de las operaciones de cirugía estética. A través de esta performance y de todos estos elementos y factores que la acompañan la artista quiere impactar al espectador y generar una conciencia sobre la sociedad superficial en la que vivimos. Quiere que se reflexione sobre el concepto de belleza y cómo es capaz de manipular a las personas hasta hacer que pierdan su propia identidad. Lo que pretende principalmente es hacernos ver hasta donde nos hacen llegar los estereotipos sociales, simples normas impuestas por la sociedad que nos vemos obligados a cumplir para ser aceptados en la misma. Normas sin importancia que hacen que lleguemos a extremos como el que supone someterse a una opeación quirugica para cambiar el aspecto, perdiendo la propia personalidad y la propia belleza. Porque lo que la artista pretende decirnos es que nadie puede dictar cual es la belleza correcta y cual no lo es..el concepto belleza es realitivo, depende de la persona que la contempla, no de lo que la sociedad dictamine.

No he podido encontrar fotos de esta operación en concreto, pero se puede visualizar toda la secuencia en la página web oficialde la artista. http://www.orlan.net/ En ella están fotografiadas todas las performance de la artista, y dentro de The Reincarnation of St.Orlan se puede visualizar al completo la operación ''Unicorn''.

CONFLICTO PALESTINO-ISRAELÍ

Esta es una imagen informativa que apareció el 8 de Febrero de 2007 en un diario digital para informar de la situación crítica de la zona, con 80 muertos y 300 heridos en unos pocos días. Para ilustrar la noticia se publicó esta foto, en la que podemos ver a una mujer con la cabeza cubierta con el pañuelo simbolo del grupo terrorista islámico Hamas. El punctum de la imagen es la mirada de la mujer, amenazante y agresiva, y como ocntrapunctum estaría el pañuelo verde simbolo del grupo terrorita. Al publicar esta imagen en un dirio accesible a todo el mundo para dar una información verídica sobre el conflicto palestino-israelí se pretende generar un temor al fundamentalismo islámico y fmentar el odio a oriente que se a idoincrementando a lo largo de los últimos años. La mirada de la mujer implica agresividad y violencia, amenaza y temor, carácterísticas que se atibuyen en los países occidentales al islamismo radical. Es cierto y totalmente verídico que estos grupos son extremadamente y violentos y que llevan a cabo atentados contra inocentes, pero si la información que se publica es una información objetiva no tene sentido publicar una foto que fomenta el odio únicamente hacia los grupos radicales palestinos. Y es que ultamente en la prensa de los paises europeos y EEUU podemos darnos cuenta de que se pretende dar unaimagen de los árabes como gente inferior, se muestran imagenes de gente muerta, mutilada..etc que jamás veríamos en el caso de peronas occidentales. Parece que quieren informar de la crudeza de la situación pero en realidad lo que quieren es rebajar la imagen de los árabes o infundirnos temor hacia los grupos radicales para que generemos la visión más negativa posible del mundo islámico. Esto ocurre con la imagen, es una imagen que no aporta una información epistémica, sino que aplicada a la noticia pretende dar una visión extremadamente negativa del mundo islámico y que manipula la espectador haciendo que genere miedo y odio al islam.

CONTRAPUBLICIDAD

La contrapublicidad es una manera de criticar el bombardeo publicitario al que nos vemos envueltos en siglo XXI. Las imágenes que voy a analizar a continuación son claros ejemplos de contraataque a los anuncios que visualizamos continuamente a lo largo del día y que nos intentan inculcar una serie de estereotipos sociales para aumentar el numero de ventas de las empresas publicitadas. Ambas imágenes son representaciones bidimensionales estáticas, y tienen una función en mi opinión artística, porque utilizan los mismos recursos que las imágenes publicitarias pero no intentan vendernos un producto sino abrirnos los ojos ante tanta manipulación.

Esta imagen es una contrapublicidad contra la marca ommy Hilfiger. En ella podemos ver un rebaño de ovejas atravesando un campo verde. El punctum de la imagen son las ovejas que simbolizan a la sociedad de borregos que se siguen las modas sin pensar y sin tener personalidad propia. El título que aparece en la parte superior es muy importante ara comprender el significado de la imagen. ''The real american fragrance'' quiere decir que la falta de personalidad es la verdadera esencia de la sociedad americana, una sociedad regida por los estereotipos y sn capacidad crítica. El contraanuncio imita a la erfección la estétia publicitaria de Tommy, los paisajes idílicos campestres, haciendo que el significado contrpuesto a los anuncios originales de Tommy tome una mayor importancia y el espectador relacione la crítica de la manera adecuada. Esta claro que lo que pretende el autor de este anuncio contrapublicitario es que los consumidores nos demos cuenta de que nos dejamos llevar por las aparariencias, por el exterior, y que estamos atados a una serie de estereotipos sociales que limitan nuestra libertad como personas. Quiere hacernos ver que actuamos como auntenticos borregos que se siguen los unos a los otros sin capacidad propia de actuación, y que este efecto está causado muchas veces por la publicidad que es la que nos marca una serie de pautas de actuación ante la vida sin tener derecho a ello.

Esta imgen corresponde a una campaña de ataque a la publicidad de Benetton. Como anteriormente analicé una de las imágenes de Oliviero Toscani que tanta polémica han causado, he querido analizar también una imagen en contraposición a la falsa solidaridad de la marca. Esta imagen surgió como grito en contra de lo que la empresa Benetton llevó a cabo en La Patagonia (Mexico) en el año 2003. Benetton urbanizó el 900000 hectáreas del territorio mapuche arrbatando las tierras a muchos de los habitantes de la tribu. Hay un extenso reportaje que se puede consultar en busqueda de más información.http://argentina.indymedia.org/news/2003/10/138518.php

Esta imagen es una clara denuncia a lo que ocurrió en el territorio mejicano, una muestra de la verdadera conciencia social de la empesa Benetton. En la fotografía aparece una mujer mapuche a la izquierda (punctum, a favor de lectura) y a la derecha ( contrapunctum,a contra lectura) aparece el brazo de un ejecutivo ofreciendo dinero. Lo que se pretende a través de este contraanuncio es desemascarar a Benetton, que lleva muchos años dando una imagen de empresa comprometida con los problemas sociales cuando no es más que una empresa más unicamente preocupada por su beneficios. Esto es precisamente lo que indica el slogan ''The true Colours of Benetton'', en actos como el sucedido en Mexico es en lo que se muestra la verdadera cara de Benetton y uno puede darse cuenta de que su publicidad es totalmente engañosa. Por mucho que la empresa intente dar una imagen de compromiso no deja de ser una publicidad dirigida a un sector concreto de la sociedad, y no tiene ningún tipo de problema en causar daños a colectivos sociales más desfavorecidos si así consigue incrementar su número de ventas y sus beneficios. Es una realidad muy triste pero cierta, las empresas siempre van a estar más preocupadas por sus propios asuntos y no van a dudar en utilizar a los colectivos desfavorecidos como herramienta y a la vez aprovecharse de ellos si con eso van a beneficiarse a sí mismos.

NAN GOLDIN Greer and Ben on the bed 1982

Nan Goldin es una fotógrafa americana cuya obra está basada en series fotográficas que relatan en forma similar a un documental la vida de sus amigos, su iniciación y dependencia sexual, la pobreza, la enfermedad…etc. Esta imagen forma parte de su serie mas famosa titulada ‘’La Balada de la Dependencia Sexual’’. Esta serie se centra en las relaciones sexuales ambiguas y la plaga de SIDA que invadió a la juventud en los 70 y 80. Se trata de una representación bidimensional estática en la que aparecen dos jóvenes en una cama. La mujer tumbada está vestida de blanco y tiene aspecto enfermizo, mientras que el hombre viste de negro y esta semi incorporado. El punctum de la imagen es el aspecto de la mujer, parece enferma, algo que si lo conectamos con al temática de la serie nos conduce a pensar que es de SIDA. Lo que pretende la artista a través de esta imagen es la crudeza de la realidad que vivían los enfermos de SIDA, y mostrar también como se sintió cuando el virus causó estragos en su círculo de amistades. La mujer esta como rodeada de un aura, como si la artista quisiera resaltar la fragilidad de la vida humana, y al ir vestida de blanco yo creo que quiere expresar que los enfermos de SIDA no son seres despreciables, porque muchos de ellos morían solos sin ayuda ni nadie que les acompañase. Goldin quiere difundir una imagen de la mujer pura, a pesar de estar enferma, porque es un ser humano. En contraste total nos encontramos al hombre, mucho más moreno de piel y vestido de negro, un contraste que hace que la imagen nos impacte aún más. La belleza de la fotografía además se contradice con la temática, algo que de nuevo intensifica el significado de la obra. Yo creo que la intención principal de la artista es mostrar la realidad más cruda de los 80, una década invadida por el sexo, el sida y las drogas. Quiere hacernos ver como esto afecto a la gente más cercana a ella, como no fue un problema de unos pocos sino un gran conflicto social que no tuvo piedad con nadie.

KATHARINA FRITSCH Heart f Money

Esta obra de Katharina Fritsch esa una recontextualización que tiene una función artística. La obra se compone de cientos de monedas que forman un corazón de enormes dimensiones. Katharina Fritsch es una artista que se caracteriza por cambiar de escala y color objetos cotidianos para hacer al espectador reflexionar sobre la realidad. Es lo que ha hecho la artista a través de esta obra, utilizar un objeto cotidiano para formar un icono universal de dimensiones estratosféricas. Lo que pretende es plantear al espectador una nueva clave para cuestionar la realidad, son objetos familiares pero que desprenden un aire surrealista tanto por su composición como por su tamaño. Se trata de una continúa reflexión sobre lo que percibimos, la apariencia, la individualidad y la originalidad que se convierten en nuevos símbolos de objetos de siempre. Simbolizando el corazón a través del dinero quizás pretenda hacer una crítica la materialismo o un juego de realidades opuestas, lo material contra lo espiritual, lo banal y lo trascendental unidos en una misma realidad. Esta claro que el espectador ya sufre un gran impacto visual simplemente con el tamaño de la obra, una herramienta del lenguaje visual que desencadena el proceso de búsqueda de significado. La sensaciones que produce la obra en el espectador son claves para llegar a entender el significado, cuando el espectador visualiza la obra se siente invadido por ella y comienza a percibir la realidad de forma distinta mientras la visualiza. Es un juego que desestructura por completo la concepción de los objetos cotidianos y que crea una realidad paralela entre el espectador y la obra.

PLAYSTATION PORTABLE WHITE

Esta es una valla publicitaria de Playstation que se destinó a promocionar su nuevo modelo ‘’portable White’’. Se trata de una representación visual bidimensional estática con un fin claramente comercial. Se trata de publicidad fuera del punto de venta, porque es una valla publicitaria emplazada en un lugar visible al espectador. En ella se puede ver una mujer blanca vestida de blanco agarrando por la mandíbula en actitud amenazante a una mujer negra. El punctum del a imagen es la mujer blanca y el contrapunctum es la mujer negra, y esta contraposición revela una superioridad racial muy clara por parte de la mujer blanca. Los colores de la imagen son muy importantes, el fondo es oscuro de manera que el blanco puro de la mujer blanca sobresale muy por encima de la mujer negra, que se confunde con la oscuridad del fondo. La composición también contribuye mucho al significado, a pesar de que la mujer blanca está a contra lectura sigue sobresaliendo por encima de la negra. Además la mujer blanca es bastante más alta y físicamente atractiva y la posición amenazante en la que está le da una imagen de personaje agresivo. Todos estos elementos contribuyen a dar el significado a esta imagen, una imagen claramente racista que promociona una visión de la raza blanca muy por encima de la negra. Además se hace ver a la raza blanca como una maltratadota absoluta de la raza negra, como si los blancos tuvieran derecho a maltratar a los negros con su superioridad como motivo principal para hacerlo. Es increíble que en el siglo XXI sigamos viendo este tipo de imágenes tan ofensivas, parece mentira que se utilicen temas tan socialmente comprometidos para impactar al espectador, sin que importe una posible ofensa a millones de personas que raza negra. Está claro que lo que ha pretendido la empresa en ganarse a un sector social que es precisamente el que va a comprar sus productos, y no le ha importado denigrar la imagen de millones de personas para conseguir ventas por parte de ese sector social. Por suerte esta campaña fue censurada y se retiro de los medios de comunicación.

VAMPIRE BUSH

Esta imagen es una representación visual estática con un fin artístico. No se si se trata de un dibujo publicado en una revista o en que clase de medio de difundió esta imagen, por eso la clasifico como artística, porque no intenta vendernos ningún producto. En ella se puede ver a Bush transformado en vampiro bebiendo la sangre de la Estatua de la Libertad. Sin duda es una crítica a política de Bush en EEUU, se le simboliza como un vampiro que ha estado chupándole la sangre al país, que ha estado corrompiéndolo hasta su muerte. La estética del dibujo es muy realista, lo que hace que la imagen impacte mucho al espectador. El rótulo superior dice ‘’La voz del pueblo’’, parece la portada de una revista o algún tipo de panfleto político, pero no he conseguido averiguar que clase de publicación es. En cualquier caso la frase simboliza una crítica generalizada al gobierno de Bush, es como si todo el pueblo manifestase su descontento con el presidente. La luminosidad es bastante marcada en el dibujo, y le da una estética tétrica a la imagen, para reforzar la imangen terrorífica de Bush. La expresión de la estatua es muy marcada, tiene una mirada de sufrimiento y de rendición, parece que haya desistido en su lucha contra el vampiro. Todos estos elementos sirven para expresar el significado de la imagen, Bush es un vampiro que ha acabado con EEUU a base de chuparle la sangre. La Estatua de la Libertad es un icono americano y simboliza al país en general, que se ve maltratado por la figura del presidente. Es una manera de criticar absolutamente al gobierno, se quiere expresar que Bush no es más que algo perjudicial para el país y que terminado por acabar con él.

JOSÉ LUIS RODRIGUEZ ZAPATERO Fotografía del diario el País 15/01/07

Esta foto de Zapatero apareció publicada en la fecha señalada anteriormente en el diario el País, el una entrevista del periodista Javier Moreno al presidente del gobierno. Se trata de una representación bidimensional estática de función informativa, aunque luego observándola a fondo podamos llegar a la conclusión de que trata de una imagen claramente propagandística. Con respecto a la composición de la foto, Zapatero se encuentra a favor de lectura del espectador, es decir, a la izquierda. Aparece sentado y con las manos cruzadas, una posición que indica tranquilidad y cercanía. A la derecha de la pantalla hay una bandera de España, que llama mucho la atención a ojos del espectador. Los colores son importantes en la foto, el presidente lleva tonos azules que transmiten también sosiego y tranquilidad a la vez que la habitación de color blanco. Los colores más saturados forman parte de la bandera de España. La composición es claramente favorecedora a la imagen de Zapatero, el estar a la izquierda y sentado lo hace más cercano al espectador, genera un clima de falsa confianza y acercamiento al lector. Además el hecho de que la bandera de España este situada a la derecha de la foto hace pensar en un posible mensaje antiderechista, es decir, la bandera se sigue considerando actualmente como un símbolo fascista y puede haber una relación con su colocación precisamente a la derecha de la foto. Con los colores ocurre lo mismo, el azul del traje de Zapatero transmite serenidad, el azul es un color profundo y tranquilo, y seguramente han pretendido que el presidente transmita esto a los espectadores. La bandera de España contrasta con la desaturación del resto de la imagen. Por tanto el punctum de la imagen será la figura del presidente y como contrapunctum la bandera, en mi opinión esta distribución de la imagen es una clara contraposición entre izquierda y derecha, representando a la izquierda de una forma cercana y sosegada y a la derecha como la parte crispada y agresiva. Por tanto el fin oficial de esta foto cambia radicalmente una vez que nos paramos a analizar las herramientas del lenguaje visual, nos damos cuenta de que el mensaje latente y el manifiesto difieren claramente. No es una fotografía realista del presidente, sino que todos los elementos se han dispuesto para reforzar la imagen de confrontación con la derecha y para transmitir una sensación de cercanía y confianza por parte del partido socialista y del presidente en concreto hacia el espectador.

EL COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE Peter Greenaway 1999

Esta película transcurre íntegramente en las dependencias de un restaurante y hay muy pocas escenas que estén rodadas en el exterior. En ella se cuenta la historia de la mujer de un mafioso, prototipo de hombre machista y desalmado. Ella mantiene relaciones a espaldas de su marido con un cliente habitual del restaurante, y el desarrollo de la película se centra en los encuentros furtivos de ambos a espaldas del mismo. Se trata de una película muy fuerte, con mucha violencia, sexo y descalificaciones de todo tipo, pero sin excesivas muestras de sentimientos por parte de los personajes. Es precisamente en este hecho en el que reside el punctum de la película, los aspectos sociales como el sexo y la violencia que suelen ser bastante tabú se convierten en lo que predomina en la película, mientras que los sentimientos de los personajes aparecen como algo casi prohibido.
La estética de la película es importantísima a la hora de comprender su significado. Cada habitación del restaurante te simboliza con un color diferente, y la indumentaria de los personajes cambia de color a medida que pasan de una estancia a otra. El comedor es de color rojo, allí tienen cabida los convencionalismos sociales, el mundo de las apariencias, el derroche y la ostentosidad. El baño es de color blanco, un color que simboliza la pureza y la higiene, y que le da un aspecto casi celestial. La cocina es de color verde, un color que remite a lo alimenticio, a lo natural y a lo orgánico, características fundamentales de la comida. Toda la película se desarrolla principalmente en estas tres estancias, y la indumentaria de todos los personajes va acorde con la estancia en la que se encuentran. Todas menos la indumentaria del amante, que es marrón, un color neutro, fruto de la mezcla de todos los colores. Este personaje simboliza lo ajeno al mundo del restaurante, un mundo donde reina lo primario y donde no hay racionalidad. El amante parece venido de otro planeta, actúa de manera distinta la resto de los personajes que dejan llevar por sus instintos más básicos.
La caracterización de los personajes también es fundamental. La figura del marido constituye el prototipo de hombre violento, alcoholico y maltratador. No tiene reparo en pegar a su esposa, insultarla y humillarla en público, para luego suplicarle perdón cuando ella amenaza con abandonarle. Es un claro ejemplo de hombre sin escrúpulos, que deja llevar por sus instintos básico y considera a su mujer un objeto al que puede manejar a su antojo. La mujer está atada a su marido y sometida a él desde hace años, hasta que descubre que existe algo mejor que viene del exterior, algo que puede librarla de la cárcel en la que se encuentra. Este algo es el amante, un personaje ajeno al mundo en el que están enmarcados el resto, alguien externo a la atmósfera del restaurante y que contrasta con el ambiente de corrupción que se respira dentro del mismo. Por último el cocinero representa el papel de la conciencia, es el mediador entre lo bueno y lo malo, aquel que sabe diferenciar entre los dos y protege a la mujer de su marido.
Por tanto esta película es una muestra de los aspectos negativos del hombre en contraposición con el mundo de lo profundo y de los sentimientos. El director pretende hacer un juego entre ambos aspectos humanos dando como resultado una película que invita a la reflexión. Además toda la simbología oculta tras el uso del color constituye un lenguaje muy original y una forma diferente de representar aspectos que no sería posible representar a través del guión. En sin duda una combinación de herramientas visuales y significado que no deja impasible al espectador, sino que le invita a ir más allá de lo que ve y a meditar sobre lo que el director pretende expresar a través de la película.

CHEMA MADOZ

Esta es una fotografía del artista Chema Madoz. Se trata de una representación bidimensional estática que tiene una función artística. En ella aparece representada una cerilla y simbolizando la llama que sale de ella está el dibujo de una tabla de madera. Chema Madoz es un artista tremendamente metafórico, sus obras se basan en uniones paradójicas entre objetos oponiendo en ocasiones conceptos opuestos en una misma imagen. En este caso el punctum y el contrapunctum de la imagen son el dibujo en forma de llama y la cerilla, no se cual es cada uno pero está claro que son los elementos principales de la obra. El significado bajo mi punto de vista es el juego entre el fuego madera, uno como elemento destructor y el otro como elemento destruido. Es una contradicción sorprendente, y llama mucho la atención cómo el artista ha conseguido integrar elementos tan opuestos formando un todo. La imagen es plásticamente muy bella, la iluminación, la composición y el color hacen la imagen tremendamente poética. Por tanto esta es una imagen en la que lo que impera es un juego entre conceptos contradictorios que dan como resultado una realidad paradójica. Además las herramientas del lenguaje visual potencian la belleza de la realidad representada y generan una imagen muy poética y agradable a la vista del espectador.

CAMPAÑA PUBLICITARIA DE FANTA

Fanta llevó a cabo hace unos meses una campaña publicitaria por todo Madrid a través de la cual invadió calles, plazas y andenes de metro con anuncios publicitarios de la marca de refrescos. En el caso de los anuncios de las fotografías de se trata de representaciones tridimensionales, en el caso de la primera estática y las demás en movimiento. El punctum de los anuncios publicitarios es sin duda el soporte, es decir, el hecho de que se utilicen objetos físicos para anunciar algo llama la atención del espectador. Este metodo se utiliza mucho últimamente en la publicidad, se hace sentir al consumidor parte del anuncio, algo que se ve claramente en las imágenes del vagón de metro. Es una forma de hacer el producto más cercano al espectador, como si formara parte de su vida cotidiana, de manera que este bombardeo publicitario acaba haciendo mella en él. Este tipo de publicidad ‘’palpable’’ está invadiendo todos los lugares clave de las grandes ciudades e intensifica el carácter consumista de la sociedad actual. Sólo hasta que nos paramos a analizar el bombardeo publicitario que sufrimos nos damos cuenta de lo perjudicial que es. Con anuncios como estos de Fanta las empresas consiguen gracias a la originalidad de los lugares de emplazamiento, soporte y demás que recordemos los diferentes anuncios y que no sólo que no nos demos cuenta de que nos están absorbiendo sino que además valoramos estos conceptos y son clave a la hora elegir el si comprar el producto o no.

CINDY SHERMAN Cinderella

Esta obra se titula ‘’Cinderella’’ y es de la artista americana Cindy Sherman. Se trata de una representación bidimensional estática con un fin artístico, porque no intenta vendernos nada ni informarnos de ningun hecho concreto. En ella aparece una mujer vestida de blanco en una cama y con una flor en la mano. La mujer no cumple precisamente con el canon de belleza y sale en una posición bastante sugerente, lo que indica que la artista quiere impactar al espectador visualmente. Creo que la idea principal de la obra es romper con la idea de belleza, se ha colocado a una mujer fea en una posición en la que se espera ver a una mujer bonita, con lo cual el espectador se queda descolocado ante la foto y esto le invita a reflexionar. La mujer va vestida de novia, de blanco y con flores en la mano; esto refuerza este impacto a ojos del espectador porque se supone que una novia ha de ser la más guapa del mundo, o al menos eso es lo que se nos vende en publicidad, cine…etc. Al encontrarnos con esta mujer nos empezamos a plantear el por qué de los estereotipos actuales de belleza, por qué hemos llegado al punto de acostumbrarnos a las mujeres guapas en publicidad y cuando vemos una foto esta nos resulta desagradable. El título también es mue importante en la obra puesto que Cenicienta es un ejemplo de belleza oculta tras una escoba y el hecho de que la foto se titule así hace pensar en la estupidez de los estereotipos actuales, Cenicienta era una chica guapa que escondía su belleza y la mujer de la foto es una mujer fea que no tiene problema en mostrarse a romper con estos estereotipos. Los colores tienen mucha importancia en la obra, son muy puros (blancos, tostados..etc.) y se contraponen con la ‘’impureza’’ de la postura de la mujer. Esta contradicción invita también a reflexionar sobre el concepto de inocencia, al llamarse la obra ‘’Cinderella’’ y estar representada de esta forma sorprende tremendamente al espectador y se crea un juego irónico entre lo inocente y lo sexual que genera confusión. En conclusión, creo que la intención de la autora es hacernos reflexionar sobre el concepto de belleza como algo relativo, y también sobre el concpeto de inocencia, todo ello a través de un fuerte impacto visual fruto de unir elementos contradictorios.

GREGOR SCHNEIDER Man with cock

Esta obra del artista alemán Gregor Schneider es una representación visual tridimensional estática con una función artística. La obra representa a un cadáver con una bolsa apando la mitad del tronco para dejar al descubierto las piernas y el pene en erección. El punctum para mí es el pene erecto y como contrapunctum estaría la bolsa que simboliza la muerte por asfixia. El título en esta obra es muy importante también puesto que le aporta el carácter de perversión que ya aparece con la erección. El conjunto de punctum, contrapunctum y punctums secundarios dan a la obra un significado paralelo entre muerte y perversión, convierte la muerte en algo banal provocando una sensación contradictoria entre terror y sexualidad. Los colores de la ropa no son muy relevantes pero sí lo es el negro de la bolsa, un negro que simboliza la muerte pero a la vez representa la negatividad de la perversión, el lado oscuro de la sexualidad. El tamaño ha de ser ante todo realista, como herramienta que permite un mayor impacto en el espectador. Si el supuesto cadáver tiene un tamaño realista el espectador se verá mas afectado por el significado de la obra. La textura también es muy importante en esta obra, los materiales pueden casi palparse con los ojos y gracias a esto el espectador puede interpretar el significado más fácilmente. Para mí la textura de la bolsa es especialmente relevante en el conjunto, como contrapunctum de la obra ha de estar lo suficientemente intensificado visualmente. En resumen, todas estas herramientas del lenguaje visual conducen al espectador a reflexionar sobre dos temas tan morbosos como son la muerte y la sexualidad. Schneider es un artista que se caracteriza por su interés especial por lo siniestro y lo morboso. Muchas de sus instalaciones consisten en espacios tétricos que conducen al espectador a una atmósfera de terror y misterio. Con esta obra no iba a ser menos, ha fusionado los dos temas más morbosos para el ser humano, el sexo y la muerte, para lograr una obra que invita a reflexionar sobre ambos temas, bien por separado bien en conjunto. Se podrían sacar varias interpretaciones de la obra: en primer lugar la perversión sexual como algo dañino para el hombre, el carácter primario del hombre que perdura hasta en su muerte, una burla hacia ambos temas, el sexo desvirtuado por la muerte o la muerte desvirtuado por le sexo…etc. Todas estas interpretaciones son perfectamente posibles pero creo que la intención principal del autor es impactarnos a través del morbo ‘’al cuadrado’’ haciendo que reflexionemos sobre la muerte y el sexo de la manera que queramos. Esto lo consigue a través del golpe que produce ver dos elementos tan fuertes y a la vez tan opuestos fusionados en un mismo conjunto.

ANDREAS GURSKY

Andreas Gursky es un fotógrafo alemán que ha alcanzado una grandísima popularidad en los últimos años por sus fotografías del mundo contemporáneo. Esta fotografía es una representación bidimensional estática con función artistica, puesto que su función es generar un conocimiento crítico, no vender ningún producto ni informar de nada de manera verídica. En la foto aparecen muchas personas trabajando en la cadena de producción de una fábrica. El punctum de la foto para mí es el módulo de repetición, es decir, el hecho de que las figuras sean clónicas y se repitan de manera regular. Bajo mi punto de vista es una manera de mostrar la globalización del planeta, la alienación de las personas a favor de una cadena de producción o la masificación humana de los países orientales. El gran formato de la obra provoca que el espectador contemple el mundo contemporáneo como si lo estuviera sobrevolando, de manera que puede impactarle más porque hasta que no vemos las cosas desde fuera no nos damos cuenta de muchos detalles. Los colores también son importantísimos en la foto, el rosa del atuendo de los trabajadores forma parte del punctum, hace que el elemento repetitivo salte más a la vista del espectador. Y como herramienta del lenguaje visual de mayor importancia está la composición, la distribución modular de las figuras y la perspectiva hace que adquiera todo una frialdad sorprendente, las figuras humanas se ven como simple materia que se repite, pierden su valor como personas. Todas estas herramientas contribuyen a crear una gran plasticidad y a la vez a que el espectador se de cuenta de la clase de mundo en el que vive, donde las personas son tratadas ya como meros eslabones de producción y pierden su valor humano. Por tanto, para mi el significado de esta foto consiste en la visión del mundo como algo global, algo masificado, un lugar donde ya las personas no son mas que partes de un proceso. Todo ello contribuye a una alienación del hombre, a la transformación y manipulación de las mentes que terminan a merced del sistema.

CAMPAÑA DUREX

Este anuncio de la campaña de Durex es una representación bidimensional estática con un fin comercial puesto que lo que pretende es vendernos un producto. En la fotografía aparece la boca de una mujer con dos tiritas en la comisura de los labios. En la parte inferior aparece en letra pequeña la frase ‘ Really big…’’. El punctum de esta foto es claramente las tiritas de los labios que simbolizan un desgarro por felación, es decir, la mujer aparece rebajada para promocionar la virilidad del hombre. Lo que se pretende en este anuncio es mostrar el tamaño del pene del hombre como un simbolo de virilidad y por tanto la mujer es la que sale perjudicada en este asalto ya que aparece como aquella que rebaja para suplir las necesidades sexuales del mismo. Este tipo de publicidad aparece continuamente, se suele mostrar a la menudo al mujer como objeto sexual para promocionar los atributos del hombre. La frase ‘’really big…’’ es el contrapunctum y no hace más que certificar el estereotipo de ‘’macho’’ que impera en nuestra sociedad. Los colores del anuncio son bastante desaturados en general, salvo los labios que aparecen en un color más marcado lo que provoca que dirijamos nuestra mirada a esa zona en concreto. Además no aprecen los ojos ni el resto del rostro de la mujer, como si no fuera necesario mostrar su identidad porque no es más que un mero objeto que sirve para suplir las necesidades del hombre. Por tanto, se trata de un ejemplo de publicidad sexista que lo que pretende es vender a través del tratamiento de la mujer como objeto sexual y su sometimiento a las necesidades del hombre.

JENNY HOLZER

Jenny Holzer es una artista americana que lleva a cabo instalaciones en grandes ciudades y que realiza una serie de proyectos en los que introduce frases con sentido crítico en productos de uso habitual. En el caso de la obra que voy a analizar se trata de una serie de proyecciones con la frase ‘’Protect me from what I want’’ proyectada en LEDS en lugares estratégicos de la ciudad y grabada en productos de consumo. Por tanto se trata de una representación visual bidimensional estática, porque las frases no tienen relieve ni estan en movimiento. Si consideramos el soporte como parte de la obra sería tridimensionales, pero dejo las dos opciones como posibles porque no estoy segura. En la obra de Holzer aparece la frase ‘’Protect me from what I want’’ que claramente constituye el punctum de la misma. Con esta frase creo que la artista pretende hacer una crítica al consumismo y a la sociedad cómoda que se centra en el interés propio por encima de cualquier otra cosa. La frase implora una protección contra las propias necesidades, porque hoy en día las personas simplemente buscan aquello que les beneficie, que les haga sentir bien, aunque en el fondo sea dañino para ellos. La frase está escrita en primera persona porque ha de ser la propia persona la que debe luchar contra ese egoismo, la que debe dejar de pensar en lo que le conviene y quiere e ir más allá, debe pensar también en lo que debe ser positivo para la sociedad en general. El contrapunctum de la obra podría ser el lugar de emplazamiento de la frase, siempre en puntos clave de las grandes ciudades cosmopolitas (foco de consumismo y ejemplo del tipo de sociedad en la que vivimos) o en productos de consumo. De esta manera la artista se asegura de que un gran número de personas vayan a visualizar su obra y además le sirven para reforzar el significado de la frase: obviamente impacta mucho más encontrarse esta frase cuando vas caminando por Madison Square Garden con un café de Starbucks en la mano que en medio de una carretera de Texas. El tamaño de la obra en este caso es fundamental, las frases colocadas en puntos de la cuidad han de ser igual o más grandes que la publicidad que encontramos en ella. EL bombardeo publicitario en las grandes ciudades es enorme y sólo si la frase llama la atención por encima del mismo la artista podrá lograr el impacto deseado. Además el hecho de que la frase esté proyectada de manera similar a cómo se proyectan los slogan publicitarios hace pensar en una especie de contra publicidad. La gente que va caminando por la ciudad seguramente pensará de primeras que se trata de algun tipo de publicidad masiva, les intrigará y la frase se irá haciendo popular, les invitará a la reflexión y seguramente cuando descubran que es una obra de arte entenderán su significado y el mensaje hará mella en ellos. La artista utiliza un metodo publicitario para rechazar precisamente todo lo que supone la publicidad para la sociedad de hoy en día.

MCDONALDS: APROPIACIONISMO PUBLICITARIO

La marca de comida rápida McDonalds ha llevado a cabo una campaña publicitaria a base de representaciones bidimensionales estáticas de obras de arte con la entidad corporativa de la cadena de restaurantes. Tienen una función claramente comercial puesto que lo que pretende McDonald es universalizar la marca a través del arte y así captar un mayor número de clientes. Lo que últimamente están haciendo las marcas mundialmente reconocidas como Coca-Cola o mismamente McDonalds es intentar reflejar esa masificación de ventas a través de algun elemento social. Y qué mejor elemento que le arte para llegar a todos los ciudadanos del mundo; han intentado llevar a cabo un paralelismo entre la universalidad de sus productos y de las obras de arte más conocidas. De esta manera han cubierto cuadros y esculturas con los colores y la marca de McDonalds, en este caso el David de Miguel Ángel ha sido vestido con la indumentaria de Donld McDonald, imagen de la marca de comida rápida. Así consiguen expresar que las hamburguesas de McDonald se consumen en todo el mundo y que son igual de populares que las obras de arte más importantes del mundo. Es un recurso publicitario que simboliza la globalización en la que vivimos hoy en día, la sociedad de consumo y la invasión publicitaria a la que nos vemos sometidos día a día.

POLLOCK Ed Harris 2000

La película Pollock es una representación visual tridimensional en movimiento con una función comercial de entretenimiento. En esta película se relata la vida del famoso pintor expresionista Jackson Pollock, desde sus comienzos como pintor hasta su muerte. Lo que me ha llevado a analizar esta película es la visión del arte que aparece en ella, lo que me lleva a darme cuenta de lo que ha cambiado el concepto en las ultimas décadas. En la película se tratan varios temas en torno al arte, el concepto de originalidad, de plasticidad, de emociones reflejadas en la pintura…etc. Jackson Pollock como pintor expresionista refleja sus emociones en sus cuadros, estos son una muestra pura de su interior. Esto me lleva a hacer una comparación con que hoy en día es el arte contemporáneo, una herramienta que intenta reflejar el mundo e impactar al espectador por encima del bombardeo del resto de medio visuales. En la película el arte se contempla ya como algo no figurativo, pero la habilidad manual todavía sigue siendo bastante importante. Más que la habilidad manual es el resultado plástico lo que sigue imperando en un cuadro, dado que la los medios de comunicación no habían empezado todavía a hacer competencia al arte. En ‘’Pollock’’ las formas y los colores simbolizan sensaciones y sentimientos del pintor, el espectador ya ejerce un papel clave e interpreta la obra desde su punto de vista, pero no hay un discurso libre como algunas obras contemporáneas actuales. El concepto de originalidad es uno de los más importantes tratados en la película; el lenguaje ha de ser original para que el arte triunfe. De esta forma Pollock va adquiriendo éxito a medida que su lenguaje va cambiando; comienza siendo semi-figurativo por influencia del surrealismo y acaba produciendo un expresionismo puro a través de la técnica dripping. Así nos damos cuenta de la evolución del arte hacia la abstracción total y actualmente a lo conceptual y al ‘’des-arte’’. En la película se demuestra la necesidad de renovación permanente del arte, de sus técnicas, de su estética y del concepto en sí. En Pollock nos damos cuenta de que su verdadero éxito se consagra cuando pierde la figuración, cambia el formato de sus obras y comienza a utilizar esmaltes industriales, algo que anteriormente no se había hecho. En el film también se observa claramente el proceso de consenso de un artista, sobretodo el carácter comercial del arte, el mundo de la galería y la figura del comisario. Se muestra al artista como una máquina de producir obras, alguien que trabaja bajo la presión que supone la fragilidad se su éxito y de las exigencias del galerista o comisario. En resumen, a lo largo de la película se pueden observar con total claridad los tres requisitos necesarios para que una obra sea considerada como arte: en primer lugar, generar un conocimiento crítico; aunque las obras de Pollock no tenían un contenido excesivamente explícito si que está claro que invitaban a la reflexion a preguntarse el por qué de sus cuadros. En segundo lugar el uso de un lenguaje original; esto se visualiza claramente a lo largo de la película, Pollock ve al necesidad de renovarse continuamente para continuar con su éxito y su manera de expresarse cambia radicalmente desde sus comienzos hasta su última época. Y por último el estar consensuado como tal por la figura del comisario esta claramente representado en la película a través de la figura de Peggy Guggemheim que es la comisaría que lanza a Pollock a la fama. Por tanto me ha parecido interesante analizar esta película como ejemplo de los tres conceptos fundamentales que caracterizan a las obras de arte y como muestra de la evolución que ha sufrido el arte en los últimos tiempos.

ANUNCIO DE EVAX

En el último anuncio publicitario de Evax en televisión es una representación visual bidimensional en movimiento con función comercial porque nos incita a comprar un producto de la marca Evax. En el aparecen varias mujeres jóvenes vestidas de blanco bailando y colocando ropa blanca en suelo para formar una compresa gigante. A continuación llegan otras varias vestidas de rojo y comienzan a bailar osbra la compresa gigante simbolizando la sangre menstrual. Lo que me ha llamado la atención de este anuncio y en general de todos los de Evax es el tratamiento infantil e ingenuo que le dan a la menstruacion. En el caso de este anuncio en concreto el simbolizar la menstruación de esa manera me parece bastante absurdo, puesto que lo único que se consigue con ese tipo de tratamiento es potenciar la imagen de la menstruación como un tabú o algo tan desagradable y negativo que es mejor esconderlo en la medida de lo posible. Para exagerar esa imagen idílica el anuncio se rueda en un campo verde precioso y las chicas que apara ceceen son guapas, altas y delgadas, no iba a ser menos, todo ello con el único fin de frivolizar algo tan natural como la menstruación. Bajo mi punto de vista deberían hacerse anuncios más directos y sin tapujos, anuncios que traten la menstruación como algo normal sin caer en el extremo de lo infantil y frívolo, ero tampoco en el extremo de lo soez y desagradable. Creo que se puede encontrar un equilibrio entre ambas formas de representación y mostrar la menstruación como lo que es, algo que nos ocurre a toda las mujeres y que forma parte de la vida cotidiana. En este anuncio hasta música intensifica la superficialidad con la que se pretende mostrar la menstruación, las chicas saltan y bailan felices y se expresa de todo menos la realidad. Está claro que lo único que va a conseguir Evax con este tipo de anuncios es reforzar los tabúes en torno a la regla y si actualmente te sigue viendo sucio y desagradable y como algo desconocido para los hombres lo único se va a lograr es que así siga siendo.

DOVE: MUJERES DE VERDAD?

Esta foto publicitaria de la marca de cosméticos Dove es una representación bidimensional estática con un fin comercial, puesto que trata de vendernos un producto. Es publicidad fuera del punto de venta porque es una fotografía que puede verse en revistas, periódicos o cualquier otro documento de difusión. Dove le dio hace tiempo un nuevo enfoque a su imagen comercial y a su estrategia de venta: comenzó a mostrar en su publicidad a modelos que rompen con el canon de belleza actual, mujeres rellenitas sin cuerpos esculturales y además de todas las razas. Así lo vemos en esta foto, en la que parecen mujeres de una talla 42 en vez de una 34, altas, bajistas, negras y blancas. Lo que Dove bajo mi punto de vista ha pretendido es que muchas mujeres se sientan identificadas con la marca a través de este tipo de publicidad y así la empresa logra un mayor número de ventas. Es una estrategia comercial que han llevado a cabo más empresas, por ejemplo Benetton o Nolita, que sirve para hacer creer al cliente que la empresa está comprometida con un determinado problema social y de esta manera el cliente te siente conmovido e identificado y compra el producto. Sin embargo a la empresa lo que menos le importa es solidarizarse con el problema, su único fin es enriquecerse. Dove es un ejemplo más de ‘’falsa solidaridad’’ en la publicidad, aunque lo que si que estoy de acuerdo es que está bien que se rompan los estereotipos, por mucho que sea con fin comercial estoy segura que el hecho de mostrar este tipo de mujeres ha tenido algún tipo de repercusión positiva en la sociedad. Analizando las características formales de la foto si habría que darse cuenta de que a pesar de intentar dar una imagen multiracial las mujeres de raza blanca son predominantes en la foto, dado que son el segmento social que más consume productos de la marca Dove, un hecho que nos remite de nuevo a esa ‘’falsa solidaridad’’ que está llevando a cabo la empresa de cosméticos. Además el perfil de la mujeres de la foto es más o menos el mismo, mujeres de clase media con un canon de belleza mas o menos renacentista preocupadas por su físico aunque no pretendan seguir el estereotipo de belleza actual. Al final es un intento de ruptura de normas pero que acaba por consagrarse en otro estereotipo diferente.

DAMIEN HIRST

Esta obra del artista contemporáneo Damien Hirst es una representación visual bidimensional estática con una función claramente artística porque es una obra de un artista consagrado y no tiene ninguna intención de vender un producto. En ella podemos observar el cuerpo de una mujer y situado en su zona púbica un pollo desplumado y descabezado. EL significado de esta obra como muchas otras de Damien Hirst es la denuncia del trato de los animales en función del consumo de las personas. Al colocar un pollo en la zona pubica de una mujer quiere simbolizar que los animales son seres vivos como nosotros, nacen de un seno materno y son concebidos por el mismo proceso que lo hacemos los humanos. También al colocarlo en esa parte puede querer expresar la fragilidad de y el valor de la vida de los animales, ya que el pubis es la zona más sensible del cuerpo de una mujer y origen de la vida. Las características físicas de la mujer responden a un estereotipo de mujer occidental, tiene un cuerpo delgado que cumple con el canon de belleza y es de piel pálida; unos rasgos que simbolizan el colectivo de países de mayor consumismo del mundo. Obviamente no tendría sentido colocar una mujer de raza india porque no se rigen por un consumismo tan marcado como europeos o americanos. El pollo aparece tal y como podemos comprarlo en la carnicería, y este hecho nos remite una vez más a la sociedad de consumismo en la que vivimos y en la que no valoramos la vida de los animales que nacen viven y mueren por y para nuestro propio consumo.

MAURIZIO CATTELAN ''La Nona Ora'' 1999

Esta escultura de Murizio Cattelan es una representación tridimensional estática que tiene un función claramente artística, porque no intenta vendernos nada ni darnos una información verídica. En esta escultura está representado el Papa Juan Pablo II siendo golpeado con meteorito, y un poco más adelantado, aunque no se ve en la foto, hay un amasijo de cristales rotos. Cattelan es un artista que se caracteriza por su gran ironía a la hora de expresar su opinión a través de las obras. En el caso de ‘’La Nona Ora’’ no es para menos, el artista intenta expresar la idea de alguien salvando al Papa milagrosamente, pero esta vez no es un milagro que viene del cielo para acabar con algo de la Tierra, sino que sería alguien de la Tierra salvando al Papa de algo que viene del cielo. Es un significado tremendamente irónico que intenta provocar un gran impacto en el espectador , es una crítica al todo el misticismo que envuelve a las figuras eclesiásticas que no dejan de ser personas normales y corrientes como los demás. La figura representa de manera totalmente realista las características físicas del Papa, para así hacer aun más impactante el hecho de que este siendo golpeado por un meteorito, que pueda ser dañando sin poder evitarlo como cualquier persona del mundo. Es un claro intento de desmitificar al Papa y rebajarlo a la altura del resto de los hombres, y así ridiculizar también el concepto ‘’milagro’’ que tan a menudo encontramos en el mundo religioso. Además el hecho de que sea una figura de cera también refuerza el significado, porque habitualmente las figuras de cera representan a famosos en su máximo esplendor, en poses muy favorecedoras que animan al espectador a admirarlos;sin embargo en el cado de ‘’La Nona Hora’’ el Papa aparece representado muy por debajo de lo que se espera de él, no como algo intocable, sino como un ser humano débil. El amasijo de cristales que aparece por delante de la figura del Papa es un símbolo de violencia, un elemento que potencia la idea de destrucción de materia, de fragilidad del cristal en relación con la fragilidad de la vida humana.

JOHN AHEARN STEVE BROWN

Se trata de una representación visual tridimensional estática de función artística, puesto que no intent vender ningún producto. En ella se ve representado el busto de un hombre de cara a la pared que mira lateralmente al espectador. El significado de esta obra bajo mi punto de vista es representar la marginación. El artista intenta hacernos ver a la persona de cara a la pared, en un callejón sin salida, observando el mundo desde atrás sin posibilidad de acceder a él por el muro que tiene en frente. Representa un intento de superar esa barrera colocada en frente de su cara, la mirada hace pensar en un ansia por cambiar de lugar, por mirar al mundo de cara. Creo que el hombre es de color, aunque aparezca representado en blanco los rasgos faciales remiten a una persona afroamericana. Si tenemos esto en cuenta el artista puede querer hacer una critica a la discriminación racial y a la marginación de colectivos sociales minoritarios, puede que intente representar cómo se sienten las personas marginadas en la sociedad, como chocan permanentemente contra un muro, una barrera que la sociedad les impone y que les impide acceder al lugar que les corresponde dentro de la misma. El hecho de que la obra este representada en blanco creo que intenta transmitir la idea de que las personas de otra raza son igual de ‘’puras’’ que las de raza blanca, que son personas con los mismo derechos y necesidades. Además aporta un sensación de frialdad que dramatiza el gesto del personaje representado, intensifica esa sensación de agobio y de callejón sin salida que expresa la obra.

COCA-COLA ZERO: PUBLICIDAD SUBLIMINAL

He descubierto que el cartel publicitario de Coca-Cola Zero es una recreación absoluta del atentado terrorista del 11-S. Se trata de una representación bidimensional estática que una función comercial como publicidad fuera del punto de venta, aunque no lo se con certeza porque no se si se trata de una etiqueta de botella en lugar de un cartel publicitario. Bien, si nos fijamos en los elementos representados en el cartel podemos darnos cuenta de que parecen los dos edificios con marcas de destrucción, incluso se puede ver la estela de los aviones representada a través de la línea gris que los atraviesa. Incluso si relacionamos el nombre nos damos cuenta del vínculo entre el ‘’Zero’’ de Coca-Cola y el la zona ‘’Zero’’ que quedó tras el atentado. No se con certeza cual es el fin de representar el 11-S en la publicidad de Coca-Cola, supongo que será o bien por el sentimiento patriótico que se genero tras el suceso. También es posible que el significado sea que pretenden internacionalizar el sentimiento que se genero tras lo ocurrido, al ser Coca-Cola una bebida universal puede actuar como difundidor de conciencia, como un método para hacer saber al mundo que EEUU está ahí. También puede ser una forma de captación de clientes a través de la conciencia social, al solidarizarse con el atentado Coca-Cola da una imagen social que puede atraer a un gran numero consumidores. Incluso me atrevería a decir que puede ser un tipo de publicidad subliminal destina a captar jóvenes para el conflicto islam-occidente, aunque resulta la opción menos obvia. Lo que si deja claro esta imagen es como en la publicidad se puede llegar a utilizar cualquier cosa con fines promocionales, y que actualmente el morbo es lo que mueve al consumidor en muchos aspectos, por eso nos encontramos con imágenes comerciales de este tipo.

PACKAGING

En esta foto se puede ver una bolsa que actúa como representación bidimensional estática, y que tiene una función comercial. Se trata de lo denominado como ‘’packaging’’, un tipo de publicidad dentro del punto de venta. En este caso, el significado que pretende propagar la empresa a través de este tipo de publicidad es hacer creer al cliente que comprando la comida de ese determinado establecimiento va adquirir el cuerpo que aparece en la bolsa. Es como si al hacer la compra estuviésemos pagando por un cuerpo así, los alimentos van implícitos dentro del cuerpo escultural que aparece en al bolsa. Es una manera de promulgar un estereotipo de belleza actual y a través de él lograr un incremento de ventas que es la función de todo producto comercial. Como actualmente la cultura al cuerpo es fundamental las empresas se aprovechan y fomentan el ideal de belleza para así lograr una captación mayor de clientes que buscan alcanzar ese ideal estético. Además como se puede observar en la foto los estereotipos de belleza ya no existen solo en la mujer, sino que el hombre esta empezando también a buscar ese ideal de belleza actual, aunque todavía en menor medida. Esta claro que es un anuncio publicitario dirigido a un colectivo joven y de clase media-alta, porque estoy segura de que una persona con poco nivel adquisitivo no se podría permitir comprar en un supermercado que pretende convencer a sus clientes del bienestar que produce su comida, comprarían en un supermercado que promocione precios reducidos muy por encima de la estética.

FLASH

Este anuncio de limpiador de coches es una representación visual bidimensional estática cuyo significado consiste en la utilización del sexo para impactar al espectador y ganar ventas. Como vivimos en una época de libración sexual en la publicidad se utilizan a menudo armas que remiten al sexo, de esta manera en este anuncio se intenta hacer creer al espectador que utilizando el limpiador podrá ocultar cualquier acto ‘’sucio’’ que ocurra en su coche. Lo que me lleva a pensar esto es el hecho de que le coche sea caro y oscuro, propio de un ejecutivo o magnate importante, que ha sido infiel a su mujer y gracias al limpiador podrá ocultar la verdad. Una vez más la figura de la mujer sale degradada, la postura sexual marcada en el capó del coche induca un sometimiento absoluto.

HEINEKEN

Este anuncio de Heineken es una representación bidimensional estática. Su significado es el uso de la mujer como objeto sexual en la publicidad. La mujer y sus atributos físicos son utilizados en la publicidad continuamente para captar la atención del sector masculino y así incrementar el numero de ventas. En el caso de este anuncio se intenta intensificar el significado viril de la cerveza representando el trasero de una mujer con botellas de Heineken. El significado machista de la imagen está claramente representado tanto a través de la imagen como del slogan ‘’Bottoms up!’’, que juega con un símil entre el tapón y las nalgas de la mujer.

IMAGEN PUBLICITARIA DE BENETTON

Se trata de una representación bidimensional estática. En esta imagen publicitaria de Benetton podemos ver tres corazones iguales que representan a cada uno de los colectivos raciales. Los tres tienen las mismas carácterísticas físicas lo cual nos lleva a pensar que lo que pretende Benneton es promulgar una igualdad racial a través de su publicidad y generar una conciencia social sobre este tema. Sin embargo si empezamos a fijarnos hay detalles que delatan un favoritismo racial; el corazón blanco está a la izquierda, a favor de lectura. Por eso creo que el significado es dar una imagen de la marca como una empresa solidaria y asi captar clientes, cuando en realidad no existe ningún tipo de conciencia social sobre el problema que se denuncia.

NATURALEZA, REALIDAD Y REPRESENTACIÓN

Observando este conjunto de objetos como si estuviésemos en la habitación podríamos ver ejemplos de naturaleza, realidad y representación. En primer lugar la naturaleza estaría representada por la planta, que aunque no es el mejor ejemplo porque está en una maceta no he tenido más remedio que escogerla. La realidad, los objetos creados por le ser humano, serían los cds, los lápices, las cortinas…etc. Y como representación visual estaría el dibujo, una representación bidimensional estática. De esta forma resumo todos los conceptos explicados en clase en torno a la clasificación de los diferentes elementos visuales.